«Δεν θέλω τα έργα μου να φαίνονται ή να προσποιούνται, αλλά να είναι. Δεν αντιγράφω αυτά που βλέπω, δεν με ενδιαφέρει να τα εκπροσωπήσω ή να τα διαιωνίσω. Προσπαθώ να φτάσω στην ψυχή του ήρωά μου, είτε είναι φυτό, είτε άτομο είτε κοχύλι. Θέλω τα έργα μου να είναι «ζωντανά», κοιτώντας σε» εξηγεί στην αρχή της συζήτησής μας ζωγράφος Χριστιάνα Σόλου. Ένας διεθνής καλλιτέχνης που έχει εργαστεί σε σημαντικά μουσεία και ιδρύματα και συμμετείχε σε συλλογικές εκθέσεις, όπως το Νέο Μουσείο στη Νέα Υόρκη -με έργα από τη συλλογή Δάκη Ιωάννου-, αναδρομικές εκθέσεις, μεταξύ άλλων. στο Kölnischer Kunstverein της Κολωνίας, καθώς και συμμετέχοντας σε σημαντικές εκδηλώσεις όπως το Διεθνές Περίπτερο στην 55η Μπιενάλε της Βενετίας και την 4η Μπιενάλε του Βερολίνου, παρουσιάζει αυτή την περίοδο την τρίτη ατομική του έκθεση στην γκαλερί Bernier/Eliades με τίτλο «Fixation».
Πριν προλάβω να ρωτήσω τι είναι αυτό που κάνει τη δουλειά της να «ζωντανεύει», μου λέει για την κίνηση, αλλά και για την ακρίβεια και τη σαφήνεια που πρέπει να έχει η γραμμή για να τη μεταφέρει. «Κάθε γραμμή που χαράσσει ο Sulu είναι μια καλά μελετημένη απόφαση, φαινομενικά λεπτή και «ελαφριά», αλλά στην πραγματικότητα επιβαρυμένη με ευθύνη» – γράφει ο Donatien Gros, ιστορικός τέχνης και σύμβουλος με αφορμή το «Fantastic Creatures – Σύμφωνα με τον Borges» για το σύγχρονο πρόγραμμα του περιοδικού στο Λούβρο. Αναφέρει ότι αφιέρωσε ολόκληρη τη ζωή της για να τελειοποιήσει τη γραμμή, τη διαφάνεια και τον ηλεκτρισμό της. «Ακόμη και με τρεις γραμμές μπορείτε να μεταφέρετε τα πάντα, φτάνοντας μέχρι τα οστά και τους μύες που κινούν το σώμα». Ο Μπόρχες δημιούργησε μια εγκυκλοπαίδεια φανταστικών πλασμάτων χωρίς να δώσει καμία φωτογραφία. Η Χριστιάνα Σόλου, ωστόσο, όπως τονίζει ο Γκρο, «καταφέρνει το αδύνατο μετατρέποντας το φανταστικό σε εικόνα».
Δεν το κάνει μόνο μια φορά, μου εξηγεί ποια είναι η «Jeanne de Hardovey» από τα σχέδια με μολύβι που παρουσιάζει σε έκθεση στην Αθήνα. «Είναι μια γυναίκα που πνίγηκε. Τα διακοσμητικά στο μπούστο της είναι πλάσματα από τον βυθό που την καταβροχθίζουν. Όμως η ασχήμια του κόσμου γίνεται οπτική ομορφιά στο έργο. Στην τέχνη, αυτές οι έννοιες ανατρέπονται». Ο τίτλος ενός συγκεκριμένου έργου προέρχεται από το όνομα της ηρωίδας του Γάλλου συγγραφέα Barbe d’Orevigny, «The Seduced». Ωστόσο, εξηγεί ότι δεν υπάρχει καμία ιστορία πίσω από τα έργα με τη μορφή γραμμικής αφήγησης. «Είναι ένας κόσμος πέρα από τη μορφή, θα μπορούσε να είναι ένα ποίημα ή μια στιγμή. «Η δουλειά είναι αμαρτία».
Δεν ξέρω αν είναι τα λόγια που την οδηγούν στον πίνακα ή το αντίστροφο, το μόνο σίγουρο είναι ότι χρησιμοποιεί ό,τι βιώνει ως αποσκευή που την οδηγεί στη ζωγραφική. «Συνήθως ζούμε και εργαζόμαστε ο ένας δίπλα στον άλλο, νομίζω ότι η ζωγραφική είναι το πιο αληθινό πράγμα μέσα μου. Έχει τη δύναμη να υπερβαίνει τα τυχαία γεγονότα της ζωής». Τονίζει ότι οι χαρακτήρες που ζωγραφίζει είναι απλώς ένα πλαίσιο για να μιλήσει για ό,τι την ενδιαφέρει. Μέχρι σήμερα βρίσκεται σε συνεχή επαφή και με τον δικό του τρόπο μιλάει για φόβο, επιθυμία και βία. «Η εργασία δεν χρειάζεται να είναι αφίσα». Με το επιχείρημα ότι η βία δεν έχει φύλο, μου λέει ότι ακόμη και οι άνδρες που διαπράττουν βία στην πραγματικότητα αποκαλύπτουν την ανθρώπινη μικροπρέπεια. «Η βία της πείνας και η παραβίαση των ανθρωπίνων δικαιωμάτων δεν κάνουν διακρίσεις. Η Hannah Arendt μίλησε για την κοινοτοπία του κακού. Με ρωτάει αν έχω δει το “Interest Zone”. «Η σύζυγος του διοικητή του Άουσβιτς έχει έναν λαχανόκηπο, χωριστά από το στρατόπεδο. Υπάρχει η μυρωδιά από τα σώματα που καίγονται στον αέρα, αλλά εκείνη προτιμά να μην το ξέρει. Αυτό είναι βία». Χρησιμοποιεί το ίδιο παράδειγμα για να μου πει ότι η φαντασία ενός ατόμου μπορεί να είναι η πραγματικότητα ενός άλλου ανθρώπου. «Στον αρχαίο κόσμο, το εύρος των ανθρώπινων εμπειριών ήταν πολύ μεγαλύτερο, όπως και η ελευθερία διαχείρισής τους. Η Αναγέννηση δημιούργησε εξωτερικές αρχές αναπαράστασης, αναλογίας, προοπτικής και έτσι έκανε τον κόσμο μικρότερο από ό,τι είναι ώστε να μπορεί να επιβληθεί. Αλλά αυτό είναι μια ψευδαίσθηση, μια φαντασίωση».
Μιλάμε και για βιβλία, τη ρωτάω πώς ανακάλυψε τον D’Orevigny. «Τα πιο ενδιαφέροντα πράγματα στα βιβλία είναι οι υποσημειώσεις, περιέχουν θησαυρούς. Ένα από αυτά βρέθηκε και στο έργο του ζωγράφου Pierre Klosovsky, αδερφού του Baltis, του οποίου το έργο επίσης με ενδιαφέρει απόλυτα».
Σήμερα ντυνόμαστε χαλαρά και τρώμε άσχημα. Το τελετουργικό έχει χαθεί σε όλες αυτές τις πράξεις. Δεν υπάρχει ούτε χώρος ούτε χρόνος για ζωή. Το έργο μου επιδιώκει να προστατεύσει ζωές από αυτή τη βία.
Η κουβέντα αφορά τον Χάινριχ φον Κλάιστ, καθώς και τον ζωγράφο Χανς Μπέλμερ, στο έργο του οποίου άσκησαν σταθερή και σημαντικότερη επιρροή από τα νιάτα του μέχρι σήμερα. «Έχω διαβάσει όλα τα βιβλία του Kleist, αλλά το «The Dolls», στο οποίο μιλάει για χάρη μπροστά στην προσποίηση και την αλαζονεία, είχε καταλυτική επίδραση στη δουλειά μου. Η σχέση του μανεκέν με την πραγματική φιγούρα υπάρχει και στη ζωγραφική μου».
Δέσμευση στη μόδα
Σχολιάζει ότι σήμερα κολυμπάμε σε έναν ωκεανό εμφανίσεων, οπότε μου δίνει χώρο να ρωτήσω πώς ασχολήθηκε με τη μόδα, υπογράφοντας μια σειρά σχεδίων σε ένα αρχαιοελληνικό πέπλο για τη συλλογή κρουαζιέρας του Dior 2022. Ωχ, με άφησαν να το κάνω είναι εντελώς δωρεάν. Φυσικά, η σύγχρονη μόδα δεν με ενδιαφέρει τόσο, προτιμώ το Bauhaus, οι καλλιτέχνες δεν ήταν «κλειστοί» εκεί, άνοιξαν δρόμους. Ωστόσο, οι μορφές του παραπέμπουν στιλιστικά σε ακόμη παλαιότερες εποχές. «Τα μοντέρνα ρούχα αποκαλύπτουν μια θαμπάδα χαρακτηριστικών. Τα κοστούμια ήταν ιεραρχικά από πολλές απόψεις, αυτές οι λεπτομέρειες της ένδυσης έχουν να κάνουν με τις πεποιθήσεις και τις επιθυμίες. Σήμερα ντυνόμαστε χαλαρά και τρώμε άσχημα. Το τελετουργικό έχει χαθεί σε όλες αυτές τις πράξεις. Δεν υπάρχει ούτε χώρος ούτε χρόνος για ζωή. Η δουλειά μου επιδιώκει να προστατεύσει ζωές από αυτή τη βία».
Η έκθεση θα διαρκέσει έως τις 29 Φεβρουαρίου. Περισσότερες πληροφορίες στο www.bernier-eliades.com.
